Dessins sans limite du Centre Pompidou au Grand Palais

Dessins du XXe et XXIe siècle, d'étude préparatoire à langage autonome

Riche de plus de 35 000 pièces, la collection d'arts graphiques du Centre Pompidou constitue l'un des ensembles d'œuvres sur papier les plus importants au monde pour les XXe et XXIe siècles. À travers une sélection de près de 300 œuvres réalisées par 120 artistes, l'exposition donne à voir la réinvention de ce médium qui passe d'étude préparatoire à la peinture à forme d'expression vibrante et singulière. Le parcours savamment thématisé montre comment le dessin s’est émancipé de la feuille de papier pour investir le mur, l’espace de l’installation, ou encore le champ numérique et cinématographique. Sans suivre un ordre chronologique, c'est une traversée sensorielle organisée en quatre séquences thématiques : étudier, raconter, tracer et animer. On peut y admirer des chefs-d’œuvre rarement exposés de Matisse, Picasso, Modigliani, Kandinsky, Derain, Dufy, Léger, Klee, Dix, Dubuffet, Basquiat ou encore William Kentridge.

Section 1 de l'exposition : "Étudier", l'expérimentation par le dessin

La première section interroge le rôle historique et pédagogique du dessin comme instrument de connaissance et de préparation. Traditionnellement perçu comme une simple étape intermédiaire, le dessin affirme ici son autonomie et devient un véritable laboratoire d'expérimentation où les artistes testent des formes et des compositions. On y découvre des feuilles de maîtres tels qu'Henri Matisse, Pablo Picasso ou Amedeo Modigliani, ou encore les dessins préparatoires de Balthus pour "Les Hauts de Hurlevent". L'exposition fait un focus particulier sur Vassily Kandinsky qui utilisait le dessin comme un exercice quasi-scientifique pour analyser la mécanique des formes, en parallèle à ses cours théoriques au Bauhaus. Ainsi, l'acte de dessiner permet de voir le monde différemment en décomposant puis en reconstituant le réel au-delà des simples apparences.

"Le dessin s'est progessivement émancipé de la feuille de papier pour aller vers d'autres espaces comme la performance et d'autres supports comme le cinéma." Claudine Grammont, co-commissaire

Section 2 : "Raconter", la force du dessin pour singer les hommes

La séquence "Raconter" explore la capacité unique du dessin à refléter le quotidien et à exprimer des émotions viscérales à travers des récits intimes ou politiques. Dans ce domaine, le registre de la caricature est un puissant vecteur d'expression où le tracé sert à dire l’âme humaine avec ironie. Dans cette section, Marc Chagall raconte sa vie familiale à Vitebsk, tandis que Jean Dubuffet saisit avec une spontanéité aussi drôle que décapante les usagers du métro parisien pendant la guerre. La satire sociale est également portée par les figures grimaçantes de George Grosz qui utilise le dessin comme une arme de contestation politique. Dans une veine plus introspective, le "hurlement graphique" permet d’extérioriser des sentiments violents, comme dans les œuvres de Jean-Michel Basquiat ou de Julio González. Des artistes comme David Hockney ou Marlene Dumas utilisent ce support pour interroger la notion d'identité à travers l'autoportrait ou la représentation du corps.

Section 3 : "Tracer", le dessin comme expérience performative

Dans cette section, le dessin s’émancipe de sa fonction de représentation pour s'affirmer comme geste performatif. Le monumental triptyque "Men in the Cities" de Robert Longo domine cet espace, capturant des silhouettes chorégraphiées à une échelle inhabituelle pour le fusain. On y découvre également les expériences de Robert Morris, qui réalisait ses dessins les yeux bandés pour privilégier la perception kinesthésique sur le regard pur. Les empreintes de paume de main de Giuseppe Penone et les notations chorégraphiques de Trisha Brown illustrent cet acte graphique devenu la mémoire physique d'une action corporelle. Enfin, le lien entre écriture et dessin est exploré à travers les influences de la calligraphie orientale, avec les œuvres de Zao Wou-Ki ou les recherches de Roland Barthes sur le plaisir pulsionnel du tracé.

Section 4 : "Animer", le dessin en mouvement

La dernière partie se concentre sur la dimension temporelle et rythmique du trait. Le collage cubiste de Picasso et Braque est un moment de rupture essentiel : le tracé manuel est remplacé par la juxtaposition de fragments de réalité brute. Dans cette section, le dessin devient le médium idéal pour évoquer un monde en perpétuel mouvement. L’installation immersive "Le Bar" de Gilbert & George plonge le spectateur dans une recomposition grandeur nature d'un pub, avec des perspectives déformées et des couleurs brunâtres qui imitent les effets de l’ivresse. Le passage au dessin d’animation est incarné par les films de Robert Breer, Viking Eggeling et surtout William Kentridge et son univers captivant. Pour finir, la notion de "grille" est explorée à travers les structures géométriques de Sol LeWitt ou les tracés méditatifs d’Agnès Martin, proclamant l’autonomie totale de l’espace de l’art.

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